“Phán quyết” là gì?
Để đánh giá một tác phẩm nghệ thuật, người đánh giá phải kết hợp giữa thông tin khách quan và ý kiến chủ quan. Thẩm định nghệ thuật là một công việc rất chủ quan, nhưng mục đích của công việc này không phải chỉ để xác định xem bạn thích/không thích một bức tranh, mà là “tại sao” bạn thích/không thích bức tranh đó. Các nhà phê bình nghệ thuật không thể đánh giá tất cả các loại hình nghệ thuật theo cùng một tiêu chuẩn. Nói tóm lại, một nhà phê bình nghệ thuật cần trình bày sự thật và đưa ra ý kiến phù hợp. Đặc biệt là sự thật về bối cảnh và nội dung của tác phẩm nghệ thuật. Chúng tôi càng thu thập được nhiều thông tin về bối cảnh văn hóa xã hội và giá trị nghệ thuật của một tác phẩm, thì đánh giá của chúng tôi sẽ càng chính xác và sâu sắc hơn.
Xem thêm: đánh giá nghệ thuật
(Tranh lụa “Chết đuối” – họa sỹ Ngô Nhật Thanh)
“Đánh giá công việc” không chỉ đơn giản là thích hay không thích
Trước khi đi vào chi tiết các phương pháp đánh giá, chúng ta hãy nhấn mạnh lại rằng mục đích của đánh giá nghệ thuật là giải thích “tại sao” chúng ta thích hoặc không thích một cái gì đó, chứ không chỉ là chúng ta thích hay không. Ví dụ: bạn có thể không thích một bức ảnh vì nó quá tối, nhưng bạn vẫn có thể thích chủ đề của nó hoặc đánh giá cao thông điệp tổng thể. Nếu nói “Tôi không thích bức ảnh này” là chưa đủ, chúng tôi cần hiểu lý do đằng sau ý kiến của bạn và liệu bạn có thấy bất kỳ phẩm chất tích cực nào trong công việc hay không. .
Bạn “đánh giá một tác phẩm nghệ thuật” như thế nào?
Cách dễ nhất để đánh giá chính xác một tác phẩm nghệ thuật là hiểu bối cảnh của nó. Bởi vì thông tin này giúp chúng tôi hiểu câu chuyện của nghệ sĩ khi anh ấy tạo ra tác phẩm của mình. Hãy nghĩ về nó như nghiên cứu cơ bản.
1. Bối cảnh văn hóa và xã hội
Tác phẩm được tạo ra khi nào?
Biết về dòng thời gian có thể giúp bạn đánh giá quá trình đó được thực hiện như thế nào và mức độ khó khăn của nó. Ví dụ, các bức tranh sơn dầu được tạo ra trước thời Phục hưng thường sử dụng màu xanh từ khoáng chất lapis lazuli. Thật vậy, sau thời kỳ Phục hưng, chúng ta không còn thấy sắc tố xanh tuyệt vời này trong tranh sơn dầu.
(Tranh sơn dầu “Giấc mơ” – họa sĩ Thụy Dương)
Tác phẩm là trừu tượng hay đại diện?
Một bức tranh có thể hoàn toàn trừu tượng (nghĩa là nó không giống với bất kỳ hình thức tự nhiên nào: một hình thức được gọi là nghệ thuật phi khách quan), hoặc trừu tượng hữu cơ (hơi giống với các hình thức hữu cơ tự nhiên) hoặc Có thể là bán trừu tượng (hình vẽ và các đối tượng khác phần nào có thể nhận dạng được), hoặc đại diện (đồ họa và nội dung khác của chúng. Có thể nhận dạng ngay lập tức). Rõ ràng, các tác phẩm trừu tượng có một mục đích hoàn toàn khác so với các tác phẩm điển hình và do đó phải được đánh giá dựa trên các tiêu chí khác nhau.
Tác phẩm được phân loại như thế nào?
Có nhiều thể loại hoặc thể loại hội họa khác nhau, bao gồm: phong cảnh, chân dung, cuộc sống, lịch sử và tĩnh vật. Vào thế kỷ 17, các trường đại học châu Âu (Academy of Fine Arts ở Rome, Academy of Fine Arts ở Florence, Academy of Fine Arts ở Paris, Royal Academy of London) tuân theo quy tắc giáo sư. andre felibien – Giám đốc Viện hàn lâm Pháp. Ngoài năm thể loại trên còn có một số thể loại hội họa khác như: phong cảnh thành phố, tranh biển, biểu tượng, tiểu cảnh, bích họa, ánh sáng, tranh minh họa, truyện tranh, phim hoạt hình và mỹ thuật ứng dụng. Áp phích, graffiti, tranh động vật,…
(tranh sơn mài “Ngây thơ” – họa sỹ Nguyễn Đức Quân)
Hình ảnh liên quan đến thể loại hoặc chuyển động nào?
Một “thể loại” có thể là một nhóm họa sĩ quốc gia (Trường phái Ai Cập cổ đại, Trường phái Tây Ban Nha, Trường phái biểu hiện Đức) hoặc một nhóm địa phương (Chủ nghĩa hiện thực Delft ở Delft, Chủ nghĩa Ashcan ở New York, Học viện Paris) hoặc các phong trào thẩm mỹ nói chung (Baroque, Tân cổ điển, Ấn tượng, Dã thú, Lập thể, Siêu thực), các nghệ sĩ địa phương hoặc nhóm (der blaue reiter, New York Abstract Expressionism, Cobra Group, fluxus, stives), Thậm chí các xu hướng chung (chủ nghĩa hiện thực, chủ nghĩa biểu hiện). Ngoài ra, một “trường phái” có thể là một thể loại cụ thể (Trường học Barbizon và Trường phái mới, cả hai nhóm phong cảnh; Hội anh em tiền Raphaelite, vẽ về các chủ đề lịch sử hoặc văn học) hoặc hội họa theo phương pháp (Trường phái Tân ấn tượng, dựa trên các biến thể của trường phái Pointillism về màu sắc) lý thuyết phân đôi) hoặc các khía cạnh của thế giới tự nhiên (thuyết kiến tạo, để phản ánh thế giới công nghiệp hiện đại), các biểu tượng chính trị hoặc toán học.
Ngoài ra, việc biết bức tranh thuộc trào lưu nghệ thuật nào có thể giúp chúng ta hiểu rõ hơn về bố cục và ý nghĩa của bức tranh. Ví dụ, trong Học viện Nghệ thuật Ai Cập, các họa sĩ phải tuân theo các quy tắc vẽ tranh cụ thể về bố cục và màu sắc. Do đó, các số thứ nguyên được xác định trước theo địa vị xã hội của họ, thay vì đề cập đến một quan điểm tuyến tính. Luôn nhìn vào đầu và chân từ bên cạnh, mắt và phần trên cơ thể từ phía trước. Các họa sĩ Ai Cập đã sử dụng không quá sáu màu: đỏ, lục, lam, vàng, trắng và đen – mỗi màu đại diện cho một khía cạnh khác nhau của sự sống hoặc cái chết. Tương tự như vậy, nghệ thuật phương Đông rất khác với nghệ thuật Ai Cập huyền bí, và hội họa Trung Quốc tập trung vào bản chất tinh thần bên trong của sự vật hơn là vẻ bề ngoài.
Bức tranh được vẽ ở đâu?
Đang xem: Tạp Chí Tâm Lý Học
(Tranh acrylic “Tự tin” – họa sĩ Nguyễn Minh Hồng)
Biết một bức tranh được tạo ra ở đâu và trong hoàn cảnh nào thường giúp nâng cao sự đánh giá và hiểu biết về tác phẩm. Dưới đây là một số ví dụ.
Michelangelo đã làm việc trên trần của Nhà nguyện Sistine trong bốn năm mà không có nhiều sự giúp đỡ, từ 1508 đến 1512, ông phải liên tục giữ thăng bằng trên giàn giáo ọp ẹp . Hãy biết rằng kiệt tác nghệ thuật Cơ đốc này được tạo ra tại chỗ, không phải trong một xưởng vẽ đẹp và ấm áp.
Monet, thủ lĩnh của trường phái Ấn tượng Pháp, đã cống hiến cả đời mình cho hội họa “ngoài trời”. Vào những năm cuối đời, bên cạnh ngôi nhà của ông là một khu vườn thủy sinh Nhật Bản với một ao hoa súng, nơi ông đã tạo ra loạt hoa súng khổng lồ của mình.
Pissarro cũng chủ yếu vẽ ngoài trời, vì vậy luôn có rất nhiều bức tranh chưa hoàn thành, vì ánh sáng có xu hướng mờ đi trước khi tác phẩm của ông hoàn thành. Điều này giải thích tại sao anh ấy vẽ cùng một cảnh hoặc kết cấu (để bắt ánh sáng khác nhau) và tại sao nét vẽ của anh ấy quá nhanh và lỏng lẻo.
Một nghệ sĩ đặc biệt thú vị là người Pháp edouard vuillard, người đã sống 60 năm trong một loạt căn hộ ở Paris với người mẹ thợ may của mình. Mẹ của nghệ sĩ đã làm áo nịt ngực ở nhà, điều này giúp vuillard có nhiều cơ hội quan sát hoa văn, chất liệu, màu sắc và hình dáng của quần áo bảo hộ lao động. Để trở thành nguồn cảm hứng cho tác phẩm của anh ấy, chúng ta có thể tìm chủ đề cho các bức tranh của vuillard.
Một lần, khi còn trẻ sự nghiệp nghệ thuật của mình, nghệ sĩ nhạc pop tiên phong Robert Rauschenberg “được cho là” quá nghèo để ở trong căn hộ của mình và sơn chăn bằng kem đánh răng và sơn móng tay , đây là chiếc giường ( 1995)
b. Giá trị nghệ thuật
Chất liệu trong hội họa
Chính vì sự phong phú về màu sắc của tranh sơn dầu và khả năng thích ứng của canvas nên chất liệu được các họa sĩ ưa chuộng là tranh sơn dầu trên canvas. Tuy nhiên, khi cần đánh vecni, sơn acrylic hoặc màu nước được sử dụng thay cho sơn dầu. Mark Rothko và Barnett Newman, hai người Mỹ theo trường phái Biểu hiện Trừu tượng, cả hai đều nổi tiếng với những bức tranh hoành tráng vào những năm 1950, khi họ thử nghiệm với hỗn hợp sơn dầu-acrylic. Màu nước và sơn acrylic cũng khô nhanh hơn nhiều so với sơn dầu, vì vậy rất tốt cho những bức tranh cần khô nhanh. Ngoài ra, khi các nghệ sĩ muốn vẽ những lớp rất mỏng, họ cũng kết hợp nhiệt độ.
(tranh sơn mài “Cô Đổng” – họa sĩ Kim Đoạn An)
Đôi khi bề mặt, giá đỡ và khung của bức tranh tạo nên cá tính độc đáo cho tác phẩm nghệ thuật. Vào đầu những năm 1960, nghệ thuật đương đại của Pháp bị thống trị bởi các nhóm nghệ sĩ, trong đó các thành viên vẽ những bức tranh khổ lớn, thường là những bức tranh được cắt, dệt hoặc nhàu nát, không có cáng (hỗ trợ vật lý phía sau bức tranh). Họa sĩ người Ý lucio fontana cũng trở nên nổi tiếng vào những năm 60 với những bức tranh “cắt ra” của mình, cho phép người xem nhìn xuyên qua mặt phẳng của bức vẽ vào không gian ba chiều bên ngoài, không gian này trở thành một phần của chính tác phẩm.
Chủ đề nghệ thuật
Chủ đề của một bức tranh là những gì được thể hiện trong bức tranh.
Nếu đó là một bức vẽ lịch sử hoặc thần thoại, hãy tự hỏi mình những câu hỏi sau: Bức tranh này miêu tả sự kiện gì? Những vai trò nào có liên quan và vai trò của họ là gì? Bức tranh chứa thông tin gì?
Nếu đó là một bức chân dung, hãy tự hỏi bản thân những câu hỏi sau: Ai đang giữ bức tranh? Làm thế nào để các nghệ sĩ vẽ chân dung? Những đặc điểm nổi bật hoặc nổi bật của những người trong bức tranh là gì?
Nếu đó là một bức tranh sống động, hãy tự hỏi mình những câu hỏi sau: Những người trong bức tranh xuất hiện khi nào và ở đâu? Các hoạt động của những vai trò này là gì? Mối quan hệ giữa các nhân vật trong tranh là gì? Bố cục của các nhân vật trong tranh?
Nếu đó là một bức tranh phong cảnh, hãy tự hỏi mình những câu hỏi sau: Vị trí địa lý của cảnh trong bức tranh là gì? Về phong cảnh, họa sĩ muốn gửi gắm điều gì cho chúng ta?
(Tranh lụa “Những bông hoa baby” – Họa sỹ Nguyễn Văn Trinh)
Nếu đó là một bức tranh tĩnh vật, hãy tự hỏi mình những câu hỏi sau: Những đồ vật nào – dù tầm thường đến đâu – có trong bức tranh? Tại sao nghệ sĩ chọn những dự án cụ thể này? Tại sao anh ấy trình bày chúng theo cách anh ấy làm?
Tranh tĩnh vật được biết đến với tính biểu tượng, vì vậy, bạn nên phân tích các đối tượng được vẽ để xem mỗi đối tượng có thể đại diện cho điều gì.
Bố cục trong tiêu đề
Bố cục là thiết kế tổng thể của bức ảnh, thiết kế này rất quan trọng vì nó quyết định tác động thị giác của phần lớn người xem. Điều này là do một hình ảnh có bố cục tốt sẽ thu hút và hướng mắt người xem xung quanh hình ảnh. Các họa sĩ ưu tú được đào tạo ở các trường cao đẳng, đại học khác nhau thường coi bố cục là một yếu tố vô cùng quan trọng trong quá trình vẽ tranh. Tiêu biểu là Nicolas Poussin (1594-1665), Judd Ingres (1780-1867) và Edgar Degas (1834-1917).
Tham khảo: Cấu trúc và cách dùng Try trong Tiếng Anh
Trong “The Holy Family”, Joseph và Mary nghỉ ngơi bên cạnh một ngôi đền trong thị trấn. Poussin thể hiện khả năng đáng kinh ngạc của mình trong việc đặt mọi thứ vào khung hình một cách chính xác, tạo sự hài hòa giữa các vùng sáng và tối, đồng thời truyền tải những thông điệp quan trọng nhất quán với chủ đề tổng thể. .Tóm lại, mọi thứ trong bức tranh đều có một mục đích rất cụ thể và một địa điểm cụ thể.
Trong “la grande odalisque”, chúng ta có thể thấy bóng lưng của một người phụ nữ khỏa thân vô danh đang ngồi trên giường trong một phòng ngủ không có cửa sổ. Sự sắp xếp màu sắc, hình thức và góc độ mang tính biểu tượng cao của Ingres làm cho bức tranh trở nên bí ẩn.
“In the Café” của Degas, một trong những tác phẩm hay nhất từng được viết, mô tả một cô gái điếm ngồi trong một quán cà phê ở Paris với một ly rượu absinthe trước mặt, một người đàn ông khác ngồi cạnh cô. Cả hai đều lạc lối trong tâm trí và thế giới của riêng mình. Trong tác phẩm này, Degas sử dụng nhiều góc độ và đường nét, cũng như bảng màu buồn tẻ, để ghi lại nỗi cô đơn buồn bã của các nhân vật của ông ở trung tâm thành phố lớn.
Cả ba tác phẩm đều cung cấp một số thông tin chi tiết quan trọng giúp bạn đánh giá đúng bố cục của bức tranh.
Đường kẻ và mảng trong hình ảnh
(Tranh sơn dầu “Mùi cỏ cháy” – Hoạ sĩ Pan Shicui)
Tay nghề của người họa sĩ thường được bộc lộ ở đường nét, tạo và phác thảo các hình khối khác nhau trong bức tranh. Trong một câu chuyện nổi tiếng, một người bảo trợ quan trọng gửi sứ giả đến gặp Giotto, họa sĩ vĩ đại thời kỳ tiền Phục hưng. Người đưa tin yêu cầu Giotto nhận dạng. Người nghệ sĩ lắng nghe, lấy ra một chiếc bút lông và một mảnh vải gai, rồi vẽ một vòng tròn hoàn hảo lên đó. “Anh ta đưa nó cho sứ giả và nói: “Bức tranh này là ai, chủ nhân của bạn sẽ biết.”
Đường nét là một yếu tố quan trọng trong cấu trúc của bức tranh, là tiêu chuẩn để đánh giá nghệ sĩ dưới con mắt của các chuyên gia thời Phục hưng. Các bản phác thảo tốt là những người vẽ chân dung, và các đường nét của họ gần như hoàn hảo. Gương mẫu của họa sĩ vẽ chân dung được đào tạo bài bản John Singer Sargent (1856-1925) – một bậc thầy về kỹ thuật “nét vẽ cuối cùng”, với từng nét vẽ cho đến chi tiết cuối cùng, không bao giờ vẽ lại. Trong số các nghệ sĩ hiện đại không được đào tạo về cổ điển, van Gogh và Gauguin được coi là có những đường nét đặc biệt mạnh mẽ và tự tin.
Hình ảnh bị rung
Màu sắc là một yếu tố cảm xúc quan trọng đóng vai trò quan trọng trong cách chúng ta đánh giá nghệ thuật. Mỗi họa sĩ có cách phối màu, phối màu riêng. Lấy tranh của Mark Rothko làm ví dụ. Rothko là một trong những họa sĩ đầu tiên tạo ra những bức tranh trừu tượng khổ lớn với nhiều màu sắc phong phú—vàng, cam, đỏ, lam, chàm và tím. Mục đích của anh là khuấy động cảm xúc của khán giả. Trong lịch sử, trường phái Ấn tượng và Chủ nghĩa Biểu hiện (đặc biệt là trường phái Dã thú) là những phong trào quốc tế đầu tiên khai thác hết tiềm năng của màu sắc. Các họa sĩ hàn lâm mắc kẹt với các cách phối màu thông thường – xanh cỏ, xanh biển, xám, v.v., nhưng các họa sĩ hiện đại vẽ những gì họ nhìn thấy (Trường phái ấn tượng) hoặc cách họ cảm nhận (Trường phái biểu hiện). Nghệ thuật tượng hình được xử lý theo cách tương tự như tranh phong cảnh: do đó, “Matisse người Nga” Alexei von Javalensky (1864-1941) đã đặt ra các tiêu chuẩn mới cho việc sử dụng màu sắc trong tranh chân dung. Đồng thời, họa sĩ Degas cũng sử dụng màu sắc để thêm ánh sáng cho những ngôi sao ba lê của mình và làm thất vọng những người uống rượu apxin của mình.
(Màu nước “Hoàng Hôn Làng Chài” – Họa sĩ Thụy Dương)
Tóm lại, nghệ sĩ sử dụng màu sắc để khơi gợi cảm xúc, nắm bắt hiệu ứng tự nhiên của ánh sáng, tạo nét đặc trưng cho nhân vật hoặc cảnh và thêm chiều sâu cho tác phẩm của họ. Nó cũng có thể được sử dụng để thu hút sự chú ý của người xem. Để học cách đánh giá một bức tranh, cần chú ý đến cách họa sĩ sử dụng màu sắc. Hãy tự hỏi: tại sao bạn lại chọn màu này? Làm thế nào để nó ảnh hưởng đến tâm trạng hoặc thành phần của bức tranh? Làm thế nào để các màu sắc khác nhau được sử dụng liên quan đến nhau? Họ tạo ra sự hài hòa hay cạnh tranh khốc liệt?
Phong cách họa sĩ
Để tìm hiểu cách đánh giá cao phong cách của một nghệ sĩ, không có cách nào khác là đến phòng trưng bày hoặc viện bảo tàng và xem tranh. Ngay cả những cuốn sách nghệ thuật hay nhất cũng không thể tạo lại nét vẽ đó. Có thể thấy rằng các họa sĩ được đào tạo bài bản rất giỏi trong việc tạo ra những nét vẽ độc đáo. Các nét có thể chặt chẽ (chậm hơn, chính xác, có kiểm soát) hoặc tự do (nhanh hơn, bình thường hơn, biểu cảm hơn). Phần lớn phụ thuộc vào phong cách và chủ đề của bức tranh. Caravaggio có tính khí hung bạo, nhưng trong tranh của ông, nét cọ được kiểm soát tốt. Cézanne là một người hay gắt gỏng, và ông vẽ chậm đến nỗi tất cả trái cây trong tranh tĩnh vật của ông sẽ bị thối rữa hàng tuần trước khi ông hoàn thành. Tuy nhiên, nhiều tác phẩm của ông có nét vẽ đặc biệt tự do. Tóm lại, chúng ta có thể nói rằng nét vẽ của các họa sĩ Hiện thực có xu hướng có chủ ý và được kiểm soát hơn so với các họa sĩ Trường phái Biểu hiện.
Khi những người theo trường phái Ấn tượng tổ chức buổi triển lãm đầu tiên của họ ở Paris vào năm 1874, các nhà phê bình cũng như khán giả đã bị sốc bởi cái mà họ gọi là tác phẩm cọ vẽ “cẩu thả” của họ. Ngày nay, mặc dù trường phái Ấn tượng mới xuất hiện, nhưng chúng tôi vẫn rất hài lòng với nó, vì nét vẽ tự do của nó, đã gây ra những vụ bê bối.
Tính thẩm mỹ của hội họa
Thẩm mỹ là một môn học rất cá nhân. Tất cả chúng ta đều nhìn mọi thứ khác nhau, bao gồm cả “nghệ thuật” và đặc biệt là “vẻ đẹp”. Bản thân hội họa trước hết là nghệ thuật thị giác nên nếu được hỏi vẽ tranh có đẹp không, rất có thể bạn sẽ trả lời ngay. Nhưng nếu sau đó bạn được yêu cầu đánh giá vẻ đẹp của một bức tranh, nơi bạn cần đưa ra ý nghĩa, lời giải thích và lý do tại sao, thì đó lại là một câu chuyện khác.
So sánh các tác phẩm
Mọi thứ đều là tương đối. Vậy làm thế nào để bức tranh này trước khi bạn so sánh với những bức tranh tương tự của cùng một nghệ sĩ? Nếu đó là một tác phẩm mới, bạn có thể thấy rằng đó là một cải tiến so với tác phẩm trước đó và ngược lại. Nếu bạn không thể tìm thấy sự khác biệt, hãy thử xem các tác phẩm tương tự của các nghệ sĩ khác. Tốt nhất là bắt đầu với những tác phẩm được vẽ trong cùng một thập kỷ và tiến lên theo thời gian.
Nguồn: http://www.visual-arts-cork.com/art-evaluation.htm#evaluation
Biên dịch: trang ha
Biên tập viên: Andor
Đang xem: Trap là gì? Trap boy, trap girl là gì trên Facebook và trong tình yêu
